La cámara oscura, en cuyo mecanismo se basan todos los aparatos fotográficos, era conocida desde muy antiguo, remontándose a Aristóteles, y su uso como ayuda para el dibujo, a Giovanni Battista della Porta.

Como su nombre latino indica, camera obscura, ésta era originariamente una habitación oscura con un pequeño agujero en la pared o en un postigo de la ventana, a través del cual se proyectaba una imagen invertida de la vista exterior sobre el muro opuesto o sobre una pantalla blanca.

Desde el Renacimiento, la utilización de la cámara oscura jugó un papel decisivo para la elaboración del sistema de perspectiva geométrica centralizada.

Diferentes artefactos fueron perfeccionando este invento: en 1550, una lente biconvexa permite obtener una imagen más brillante; en 1568, la añadidura de diversos diafragmas otorga una imagen más nítida; en 1573, la incorporación de un espejo cóncavo endereza la imagen que hasta ese momento había sido invertida; y luego, en 1636, la bola escióptrica, popularmente conocida como “ojo de buey”, permite la visualización de panorámicas.

Además, diversas modificaciones a la estructura original consiguen que la cámara oscura sea un mecanismo portátil, móvil y de más fácil disposición espacial.

Entonces, el problema de obtención de la imagen estaba resuelto. Quedaba ahora encontrar el modo de fijarlas sobre una placa o superficie.
Los alquimistas de la Edad Media conocían ya la existencia de materiales fotosensibles, pues sabían que la luz transformaba el aspecto de la ‘plata córnea’.

Pero la primera persona que realmente logró fijar con procedimientos químicos una imagen obtenida en la cámara oscura fue el francés Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) quien, interesado por la litografía pero sin saber dibujar, deseaba “descubrir en las emanaciones del fluido luminoso un agente susceptible de impresionar, con toda exactitud y de manera durable, las imágenes transmitidas por el procedimiento de la óptica y la obtención de una huella que no se altere demasiado de prisa”. Sus experiencias fueron potenciadas por su compatriota Jacques Mandé Daguerre (1791-1851), quien trabajó conjuntamente con Niepce, pero oponiéndose a la publicación de los descubrimientos de éste, hasta que acaeció su muerte.

Daguerre encontró un procedimiento simplificado, apto para su explotación comercial: el daguerrotipo, imagen grabada sobre metal, que se obtiene por la impresión de placas de este material, mediante un baño de yodo, fijándose con sal de mar y mercurio.

El éxito del invento, debido en gran parte al apoyo del gobierno francés, fue fulminante; se convirtió en un verdadero negocio, sobre todo en su aplicación al retrato, ya que el público apreciaba la nueva “fidelidad extrema” hacia el modelo, y el costo abaratado en relación al óleo, por ejemplo.

Simultáneamente a las investigaciones de los franceses, un inglés, William Henry Fox Talbot (1800-1877) desarrolló experiencias que llevan a muchos a considerarlo el verdadero padre de la fotografía. Su invento patentado en 1841, el calotipo, reproduce la imagen de un negativo sobre papel. Su descubrimiento del negativo permite que la primera imagen invertida pueda ser empleada como objeto para copiar, y con una segunda operación, sombras y luces se vuelvan a colocar en su disposición habitual.

El negativo permite, entonces, repetir la misma imagen cuantas veces se desee; a esto se suma la invención de la “Imagen Latente” (que reduce el tiempo de exposición, hasta entonces de varios minutos) y la utilización de papel, con lo cual se hace posible reducir los costos de la fotografía.

En el calotipo se contienen todos los desarrollos posteriores que llevarían a la cámara fotográfica a su difusión en el ámbito del consumo doméstico: en 1851 se sustituyó el método de Talbot, sobre papel negativo, por el propuesto por Frederik Scott Archer (1812-1852) sobre cristal conocido como colodión húmedo, que permitía la reproducción de imágenes de un modo mucho más nítido y detallado que el que ofrecía el calotipo. El negativo obtenido era de mejor calidad, comparable al daguerrotipo y además, permitía la obtención de positivos directos más baratos.

Con el colodión húmedo, la fotografía dio un salto gigantesco al permitir la confluencia repentina en un mismo procedimiento de tres importantes factores: economía, gran nitidez y facilidad para la tirada de múltiples positivos.

En 1854 Adolphe- Eugène Disdèri (1819- 1890) patentó su famosa Carte de visite photographique, ocho fotografías pequeñas del tamaño de una tarjeta de visita, alineadas en un sólo cliché obtenido con una cámara dotada de varios objetivos. Este invento terminó por poner la imagen fotográfica al alcance de la gran masa.

En 1878 Charles Harper Bennet (1840- 1925) inventó la fotografía instantánea, que permite obtener imágenes en 25/100 de segundo: es el inicio de la fotografía moderna. Este adelanto tiene importantes consecuencias de orden artístico, perceptivo y sociológico, pues por una parte permitió investigar científicamente el movimiento y su representación, y de otro lado, favoreció enormemente el proceso fotográfico.

Así por ejemplo, Eadweard Muybridge (1830-1904) fotografió en 1872 el movimiento real de las patas de un caballo al trote, constatando que la visión que se creía hasta ese momento como certera, estaba errada.

La instantánea, es decir, la detención del movimiento, permitió entre otras cosas, que el reporteo fotográfico penetrase en el terreno mismo de la acción: lo que la fotografía pierde en equilibrio, lo gana en intensidad.

En 1884, George Eastman (1854-1932) sacó a la venta la primera película en rollo sobre papel y cuatro años después, la primera cámara en serie, que bautizó con el nombre de Kodak. La máquina, sumamente manejable y de bajo costo (25 dólares) marca una verdadera revolución. Fue seguida por la Kodak Pocket, que se podía cargar y descargar a plena luz (la anterior era abierta únicamente en cuartos oscuros) y luego por la Kodak Brownie, lo que consolidó definitivamente la premisa democrática de que todos pueden conservar todos sus momentos ‘memorables’, en contra del concepto aristocrático de la imagen única e irrepetible que significa la pintura.

El uso de estos implementos para la obtención de una imagen está condicionado por ciertos elementos: luz exterior, velocidad de disparo, apertura del diafragma y sensibilidad de la película utilizada; la interrelación de estos factores permite resultados muy variados.

Además, se origina una cantidad y calidad casi ilimitada de los efectos fotográficos a partir de lo siguiente:

Gracias a la evolución de la química y la aplicación de nuevos materiales fotosensibles, las películas han experimentado grandes mejoras en la búsqueda del aumento de la sensibilidad en general y de la cromática, en la finura del grano para aumentar la resolución y en la reducción del tiempo de exposición para captar los movimientos más rápidos.

Julia Margaret Cameron “Julia Jackson”, 1865.

A la vez que la fotografía se democratizaba, en estrecha relación con su perfeccionamiento técnico, fue tomando mayor volumen la preocupación por la relación entre fotografía y arte.

Las primeras polémicas entre fotógrafos son interesantes hasta hoy en día, primero porque se adelantan a muchas soluciones de los pintores llamados de vanguardia (impresionismo, cubismo, abstracción, y más tarde, pop art, hiperrealismo y neofiguración) y segundo, porque de sus discusiones nacerán los códigos cinematográficos y fotonovelísticos (posturas, movimientos- tipo, composiciones, encuadres, etc.).

Berenice Abbot “James Joyce”, 1928

A la discusión entre los fotógrafos partidarios de lo “nítido” o puro (daguerrotipo) y los de lo “borroso” o pictoralismo (sistema de Talbot), donde destaca en esto último Julia Margaret Cameron (1815-1879) y su célebre ‘efecto Rembrandt’, que entrega un enfoque vaporoso poco habitual al objetivo, se suma la “imitación” de la pintura que realizan los fotógrafos en sus comienzos.

Muchos concebían sus retratos como auténticos óleos (postura de los modelos, decorado, etc), sumiéndose plenamente a las convenciones pictóricas.

Man Ray “El huevo y la concha”,1931

Con la I Guerra Mundial, terminan de consolidarse los diversos géneros fotográficos que permitirán la constitución de una poética estética particular al medio: el retrato (imponiéndose la exactitud por sobre la inevitable “expresión” del pintor), la abstracción (desarrollada principalmente por artistas de las vanguardias como Moholy-Nagy, Man Ray y Balla).

El reportaje y el documentalismo ( que tiene sus raíces en la Guerra de Secesión, se consolida en la Guerra de Crimea y logra auge real en las guerras mundiales).

Helmut Newton, “Vogue France” 1981.

El desnudo (presente desde las primeras series fotográficas, y utilizado en inventos paralelos como el esteroscopio) y la moda (de notable presencia en los medios de masas, tiene sus bases en la suavidad del pictoralismo y luego en las duras Líneas explotadas por la fotografía “pura”).

Mario Testino, campañas publicitarias.

 

 

 

Actualmente, las tendencias fotográficas fundamentales son: el reportaje, la abstracción formal sobre la base de detalles aislados de escenas y objetos corrientes, la fotografía narrativa de filiación romántica y las fotografías en color, validada artísticamente por el fotógrafo norteamericano Geggleston en la década del 1970.

 

René Burri “Che Guevara”, 1963.

Gegleston “Femme”