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Estilos,
movimientos e hitos del diseño internacional, por orden cronológico
| Arts
& Crafts, Gran Bretraña, 1850-1914 |
Morris
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En el
primer tiempo de la Revolución Industrial, los ingleses estaban
a la vanguardia del diseño. Muestra de ello es el movimiento
de Artes y Oficios, una agrupación de arquitectos y diseñadores
progresistas cuyo objetivo era reformar el diseño y la sociedad
mediante el retorno a la Artesanía, en respuesta al horror
que les producían los primeros objetos industriales, bastante
brutos, descuidados y desagradables estéticamente.
El sistema de trabajo de Artes y Oficios se basaba en el taller
medieval: el alumno aprendía un modelo establecido y después
de lograr la perfección, podía proponer otro modelo
que superara al de su maestro. Pero a diferencia del sistema medieval,
en Artes y Oficios se unía el arte superior (pintura, escultura)
con el arte "servil" (cerámica, grabado), con lo
cual se realizaban objetos de gran calidad, que aparte de ser útiles
eran muy bellos.
William Morris, líder de este movimiento, era partidario
de la simplicidad de la Artesanía y sólo aceptaba
la mecanización sí ésta producía objetos
de calidad y reducía la carga de los trabajadores, ya que
él promovía la democracia a través de la Artesanía.
La paradoja era que los productos de su empresa, Morris & Co.,
eran muy caros de hacer y sólo los ricos podían comprarlos.
De este modo, el gran problema era que el exceso de preciosismo
y delicadeza estética imposibilitaba la masificación
del diseño, asunto esencial en el proceso industrial.
Aunque la labor de Morris no tuvo resultados inmediatos a causa
de los medios de producción artesanal que utilizaba, sus
ideas reformistas ejercieron un impacto fundamental en el desarrollo
del movimiento moderno.
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| Art
Nouveau, París, 1880-1910
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Conocido
también como "Nuevo Arte", este movimiento se inspiraba
en el Arts & Crafts británico y estaba integrado por
diseñadores vinculados a la Secesión Vienesa, los
que introdujeron formas naturales, abstractas y curviLíneas,
promoviendo el uso de motivos ondulados. Los
antecedentes estéticos del Art Nouveau son muy variados:
la recién descubierta tumba de Tutankamón (estilo
del antiguo Egipto), el jazz, el cubismo (por la síntesis
de planos geométricos), el ballet ruso y el mundo precolombino,
se suman al uso de maderas nobles, marfil, bronce muy brillante
y piedras preciosas.
Es
muy característico también el uso de tonos dorados,
plateados y azulados, y en el diseño gráfico, la representación
de rayos solares.Uno
de los exponentes del Art Nouveau fue el arquitecto belga Victor
Horta, cuyo Hotel Tassel (1893) fue una de las primeras expresiones
de este tipo de arquitectura.
Este
novedoso proyecto residencial incorporaba el hierro como mecanismo
estructural y decorativo, y el uso de columnas como tallos girando
en espiral acuñó la expresión "Línea
Horta".En
Francia, el estilo se dio a conocer como "Estilo Guimard",
en reconocimiento a las formas retorcidas y entrelazadas utilizadas
por Héctor Guimard, y especialmente por sus entradas de hierro
fundido del Metro de París (1900).
También allí se le conoció como "Le Style
Moderne", mientras que en la versión alemana se denominó
"Jugendstil".En
España, el estilo Art Nouveau floreció a través
de Antoni Gaudí, quien se refería al estilo como "Modernismo"
; en Italia, se utilizó el término "Stile Liberty"
en honor al papel de los grandes almacenes Liberty & Co. en
la promoción del estilo.
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| Deutscher
Werkbund, Munich, 1907-1935 |
La Liga
de Talleres Alemanes pretendió reconciliar la actividad artística
con la producción industrial, por lo cual, entre sus miembros
fundadores hay diseñadores, una serie de fabricantes reconocidos
y algunos talleres de diseño con sede en Munich.
En sus planteamientos fue ganando terreno la idea de que las máquinas
eran un medio para llegar a un fin, y que para que la reforma del
diseño llegara a todas partes, debía necesariamente
adoptarse el proceso industrial... todo lo cual es un signo evolutivo
respecto a las primeras bases sentadas por William Morris.
La fundación del Deutscher Werbund se considera como el momento
en que la ideología reformista quedó definitivamente
vinculada a la producción industrial; los miembros de ésta
agrupación desarrollaron un nuevo enfoque del diseño
muy racional, que eliminaba la ornamentación y enfatizaba
el funcionalismo.
Con la erradicación de la decoración externa superflua,
los elementos ganaban sencillez y se lograba una mayor estandarización
y eficacia en cuanto a la producción y los materiales.
El "ahorro" beneficiaba al usuario y al fabricante, porque
aumentaba la calidad de la construcción y de los materiales.
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| Constructivismo,
Rusia, 1917-1935 |
Este
movimiento tiene sus raíces en los 'Vkhutemas', o "Talleres
Superiores Artísticos y Técnicos del Estado"
y se desarrolló principalmente en el arte, diseño
y arquitectura rusos.
La
Revolución Soviética buscó nuevas formas de
expresión relacionadas con la aspiración de suplantar
el sistema capitalista por esquemas más democráticos
de producción y distribución de bienes.
Con esta finalidad, artistas como Vladimir
Tatlin, Kasimir Malevich, Alexander Rodchenko, Wassily Kandinsky,
Naum Gabo y El Lissitzky promovieron una estética
y una aproximación al diseño que, entre otras cosas,
se asociaba a la producción industrial y decía adiós
al ornamento complaciente.
Entre las características de estilo
está el uso de los colores
naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (generalmente siempre
en los mismos tonos, tanto en afiches
como en objetos), la constante alusión a elementos modernos
que simbolizan el progreso, las estructuras geométricas y
las formas pesadas.
Por ejemplo, la cerámica constructivista solía estar
decorada con motivos suprematistas (formas geométricas sobre
un fondo blanco y plano), lo que producía una fuerte impresión
de dinamismo y modernidad. Pero
a causa de la inestabilidad propia del tiempo que sigue a una revolución,
se llevaron a cabo muy pocos proyectos a gran escala, por lo cual
el Constructivismo se limitó al diseño de exposiciones,
cerámicas y grafismos. |
| De
Stijil, Holanda, 1917-1931 |
Silla
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Un grupo
de arquitectos, diseñadores y artistas holandeses, donde
participaba Piet Mondrian, creó en 1917 una revista de arte
llamada De Stijil, que se convirtió en un foro de debate
artístico y de diseño, y luego, en el centro de un
grupo más amplio de intelectuales.
Este movimiento promovía un objetivo común, la abstracción
absoluta, y reivindicaba la pureza del arte y el diseño a
través de la adopción de un lenguaje universal de
cubismo abstracto, o como definía Mondrian, de neoplasticismo.
De Stijil influyó en el arte, así como en el diseño
de muebles, interiores, tejidos, gráficos y arquitectura.
Tanto en ésta última como en el interiorismo, De Stijil
se caracterizó por el uso de marcadas formas geométricas
y bloques de color que delimitaban el espacio. Se
usaban tabiques para dividir las zonas internas, mientras que los
muebles utilitarios se reducían al máximo.
Las fuertes Líneas de esos interiores producían una
sensación de dinamismo y de ligereza, que se lograba mediante
la eliminación de adornos.
Aunque compartía muchas ideas del Constructivismo
Ruso, tales como el dinamismo espacial, De Stijil es reconocido
como el primer movimiento moderno de diseño por su defensa
de una nueva pureza estética. |
| Bauhaus,Weimar,
Dessau, Berlín, 1919-1933 |
Silla
Wassily
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La Escuela
Bauhaus fue fundada por Walter Gropius, quien abogaba por el ideal
de talleres de artesanos por sobre el sistema de la Deustcher Werkbund.
Bauhaus
significa " casa de construcción" y como escuela
interdisciplinaria con talleres de experimentación sobre
diversidad de materiales, reformulaba la teoría educativa,
fusionando las distintas artes.Para
Gropius, la manufactura era una actividad social importante, simbólica
e intelectual y fue esa visión la que dominó las enseñanzas
de la Bauhaus.
El
plan de estudios incluía un curso preliminar en el que los
estudiantes aprendían los principios básicos del diseño
y de la teoría del color. Al acabar este curso, los alumnos
entraban en uno de los talleres situados en dos edificios y se especializaban
al menos en un tipo de oficio artesanal.
Los
talleres eran autofinanciados, ya que las industrias fomentaban
la invención de productos de su utilidad; en esta escuela,
donde a los tutores, algunos provenientes de los gremios locales,
eran llamados "maestros" y los alumnos "aprendices",
predominaba el racionalismo, la estética de las formas geométricas,
así como la funcionalidad, utilidad y eficiencia a bajo costo.
El alumno
se enfrentaba al problema de composición tal como si fuera
un problema espiritual (a raíz de las ideas de Kandinsky
sobre lo espiritual en el arte), pero buscando el impacto masivo
del diseño para llegar óptimamente al pueblo alemán;
por tanto, el campo de investigación era amplio, incorporando
áreas de estudio como la ergonomia, con lo cual se ideaban
diseños que contemplan en su forma la anatomía del
cuerpo.
Con la convicción de que la sociedad mejoraría con
la aplicación del funcionalismo, los diseños de la
Bauhaus se concebían para la producción industrial
adoptando deliberadamente la estética de la máquina.
Este pionero enfoque funcionalista ejerció un impacto fundamental
en la práctica posterior del diseño industrial y proporcionó
los cimientos filosóficos del movimiento moderno.
La Bauhaus tuvo serios problemas políticos, fue perseguida
por su sistema socialista de enseñanza, sus extravagantes
métodos y por albergar alumnos comunistas, por lo cual debió
mudar de ciudad varias veces y conseguir apoyos extranjeros.
Entre sus maestros destacan Johannes Itten, Josef Albers, László
Moholy-Nagy, Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer.
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| Estilo
Internacional, 1920-1980 |
Eero
Saarinen
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La designación
Estilo Internacional se refería específicamente a
la obra de los arquitectos y diseñadores del Movimiento Moderno,
quienes integraron la función y la tecnología con
un lenguaje formal geométrico para producir una estética
moderna.
Aunque a veces se usa para definir el movimiento moderno temprano
(1900-1933), actualmente se asocia con la forma moderna más
utilitaria que apareció tras el cierre de Bauhaus en 1933.
También hace referencia a la obra de Le Corbusier y sus seguidores,
quienes durante los años '20 y '30 promovieron una versión
del movimiento moderno más estilizada y menos austera. Sin
embargo, los principales exponentes del estilo internacional fueron
Mies van der Rohe y Walter Gropius, quienes, tras emigrar a los
EE.UU, pusieron un gran empeño en tratar de "internacionalizar"
el movimiento moderno.
Lecorbusier
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Muchos
de los seguidores del estilo internacional adoptaron una estética
funcionalista del movimiento moderno por razones de estilo; otros,
en cambio, desarrollaron una pureza estética que promovía
un mayor universalismo en la arquitectura y el diseño.
Los principales exponentes de este estilo son Charles Eames, Eero
Saarinen, y Norman Foster.En
años recientes se observa una tendencia por recuperar la
estética racional en el diseño de productos y muebles,
ya que los fabricantes buscan, al igual que lo hacía el
estilo internacional, soluciones globales transculturales.
Por tanto, el término "Estilo Internacional"
puede hacer referencia a un período y a un tipo de modernidad
muy concretos, y a la vez aludir a la estética resultante
de un enfoque funcionalista del diseño que se remonta a
los inicios del movimiento moderno.
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| Art
Decó, París , 1920-1939 |
El Art
Decó fue más un estilo decorativo internacional que
un movimiento de diseño.
Tomando
el relevo del Art Nouveau de fines de siglo XIX, que con su actitud
antihistórica adoptaba formas naturales, el Arte Decó
extrajo sus referencias estilísticas de una serie de fuentes
eclécticas, como la antigua civilización egipcia,
el arte tribal, el surrealismo, el futurismo, el constructivismo,
el neoclasicismo, la abstracción geométrica, la cultura
popular y el movimiento moderno.
Jean
Dunand
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La mayor
parte de sus exponentes adoptaron la idea de la Artesanía
e incorporaron a sus diseños maderas exóticas y materiales
lujosos, como el nácar o la piel. Como es de suponer, la
dependencia del mecenazgo privado y su incompatibilidad con la producción
industrial acortaron la vida del Art Decó, que fue inevitablemente
sustituido por enfoques más progresistas.
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| Diseño
orgánico, 1931-1960, 1990 al presente |
Q4
Plugged
Philips Design |
El diseño
orgánico es un enfoque holístico y humanizador del
diseño.
Su
método de trabajo consistía en el desarrollo de soluciones
integradas, de modo que la totalidad de un esquema arquitectónico
se unificaba, generando un efecto general mayor que la suma de las
partes.
En ese enfoque orgánico fue crucial la manera en que los
elementos individuales, como objetos o muebles, conectaban visual
y funcionalmente con el contexto de su emplazamiento interior y
el conjunto del edificio.
También era importante cómo los interiores se integraban
con la totalidad del esquema y cómo el propio edificio lo
hacía con su entorno, mediante la armonía de sus proporciones,
los materiales y el color.
Pero si bien la interconexión y el espíritu de la
naturaleza eran la base de la arquitectura orgánica, no solían
emplearse formas orgánicas; eso hasta que a principios de
los años treinta, Alvar Aalto, uno de los mayores defensores
del diseño orgánico, lideró un vocabulario
humanizador y moderno de la forma, donde las curvas suaves y sinuosas
se opusieron al rígido formalismo geométrico del estilo
internacional.
Alvar
Aalto
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La principal
preocupación de Aalto eran las conexiones funcionales, espirituales
y emocionales de sus muebles con los usuarios individuales.
Sus
ideas tuvieron un alto impacto, sobre todo en los EE.UU, cambiando
el rumbo del diseño hacia el movimiento orgánico moderno:
de este modo, diseñadores como Eero Saarinen y Charles Eames
crearon sillas, muebles realmente revolucionarios, no sólo
por la tecnología de punta que utilizaron en la estructura,
sino también por el concepto de contacto y soportes continuos,
promovido mediante las formas orgánicas ergonómicas
y refinadas del asiento. La
aplicación práctica del diseño orgánico
Saarinen la llevó a su arquitectura: su obra maestra es la
terminal orgánica de la TWA en el aeropuerto Kennedy, uno
de los edificios más extraordinarios del siglo XX.
A principios de los años noventa, impulsado por un mejor
conocimiento de la egonomía, la antropometría, los
avances en el diseño y la creación por computación,
el diseño orgánico emergió con más fuerza
que nunca.
Independientemente del material empleado, ya sea natural o plástico,
el diseño orgánico expresa toda su potencia cuando
su sensual y emocional vocabulario formal conecta con el usuario
de manera subliminal, apelando directamente a su sentido innato
de la belleza natural.
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| Pop,
1958-1972 |
EM
Emotive Micro Range
Philips Design |
Con
la expansión del Pop en el arte de las décadas '50
y '60, éste empezó a manifestarse también en
el diseño de objetos de uso cotidiano, ya que los diseñadores
buscaban un planteamiento joven y menos grave que el "buen
diseño" de los años cincuenta.
El diseño Pop era muy estilizado, buscaba
el efecto inmediato pero efímero, por lo que era intrínsecamente
obsoleto ("úselo hoy, bótelo mañana").
Así por ejemplo, la sillas infantiles de cartón o
plástico creadas en los años sesenta, eran básicamente
desechables.
En
la misma década, muchos diseñadores optaron por el
plástico como material de trabajo, puesto que sus nuevas
formas y procesos de modelado eran cada vez más habituales
y baratas. Los colores chillones y las formas asociadas al arte
Pop barrieron con los últimos vestigios de austeridad de
la postguerra. El diseño Pop, con sus
asociaciones antidiseño, contrarrestó el sobrio dictado
'menos es más' del movimiento moderno y condujo directamente
al diseño radical de los años setenta.
Saco
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El
Pop design se inspiraba en una gran variedad de fuentes (Art Nouveau,
Art Déco, futurismo,
surrealismo,
Op
Art, psicodelia, Kitsch)
y recibió el estímulo del auge de los medios de comunicación
globales.
El diseño Pop tuvo una influencia de gran alcance y sentó
algunos de los cimientos del Postmodernismo, puesto que cuestionó
los preceptos del buen diseño y por tanto, del movimiento
moderno.
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| Posmodernismo,
1978 al presente |
Umeda |
El posmodernismo
en el diseño se remonta a la década del '60, cuando
emergen el Pop, el antidiseño y las críticas de las
esferas intelectuales y artísticas, sobre diversos aspectos
de la Modernidad.
Los primeros defensores del posmodernismo argumentaban que la adhesión
del anterior movimiento moderno a la abstracción geométrica
(que negaba el ornamento y el simbolismo) había deshumanizado
al diseño, dado que en éste primaba entonces el funcionalismo
y el racionalismo. En el área del diseño
y la arquitectura, Robert Venturi, por ejemplo, sostenía
que la arquitectura moderna carecía de sentido, ya que no
poseía la complejidad e ironía que enriquecía
a los edificios históricos.
A partir de mediados del '70, arquitectos americanos como Michael
Graves empezaron a introducir motivos decorativos en sus diseños,
que a menudo hacían referencia a antiguos estilos y que solían
ser irónicos en su contenido.
El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes
del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño
como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños
"neopop" que causaron gran sensación a nivel mundial
desde 1981.
Sofá
cuadrilatero |
La
obra de Memphis recibía una serie de influencias muy eclécticas,
y con sus motivos atrevidos y formas estrafalarias, se burlaba de
la noción de "buen gusto".Memphis
contribuyó durante los años ochenta a la comprensión
del Posmodernismo como estilo internacional, puesto que los diseños
posmodernos abrazaban el pluralismo cultural de la sociedad global
contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico concebido
para trascender fronteras. Entonces, el movimiento
posmoderno puede resumirse como un híbrido del diseño,
dado que en el proceso de creación las formas, extraídas
de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen
del diseño decoración pura, convirtiéndolo
en una verdadera enciclopedia de materiales.
Memphis
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Tiempo
después, la recesión económica de los años
noventa motivó a los diseñadores a buscar enfoques
menos expresivos y más racionales: de este modo, las atrevidas
manifestaciones del antidiseño de los años ochenta
fueron sustituidas por la silenciosa pureza del minimalismo de los
noventa. |
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