Francisca Sutil en el Museo Nacional de Bellas Artes / Alquimia
Expositor: Francisca Sutil
Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes (Parque Forestal s/n, Casilla 3209 Santiago)
Técnica: pintura
Fecha: 30 de mayo al 9 de julio 2006
Horario: martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs.
Entrada: $600 adultos, $300 estudiantes y tercera edad, domingos aporte voluntario
Informaciones: http://www.mnba.cl
La exposición “Alquimia” de Francisca Sutil, la cual es la muestra más completa de su trabajo pictórico que se haya realizado en Chile. En ella, la artista da cuenta de veinticinco años de trayectoria pictórica.
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Con alrededor de 50 obras, todas ellas representativas de tres etapas distintivas de la obra de Sutil, se presentan sus trabajos que van desde los años ochenta hasta sus más recientes creaciones:
1980–1986 Obras de gran formato sobre papel hecho a mano
1988–1996 Pinturas de gesso pigmentado
1996-2005 Obras de gesso pigmentado y óleo. Esta es una serie de pinturas, tituladas “Spaces” (Espacios), cuya materialidad es diferente a la de su trayectoria anterior, ya que están hechas con óleo y gesso, lo que produce características de luminosidad muy distintas a su trabajo anterior.
La exposición comprende todo el primer piso del Ala Sur del Museo Nacional de Bellas Artes.
Una parte de estas pinturas provienen de diferentes colecciones privadas, principalmente de Nueva York, ciudad donde la artista vivió durante dieciséis años.
Francisca Sutil
Texto de John Yau
Francisca Sutil afianzó su quehacer artístico a fines de la década de los setenta, con obras bidimensionales de papel como extensión de la abstracción geométrica de post guerra. Gracias a su experiencia con pulpa de papel, que requería la acumulación e integración de capas separadas, Sutil logró penetrar uno de los problemas persistentes del modernismo tardío: ¿es posible conjugar el material, la superficie y la forma, sin suprimir uno de ellos a favor de los otros?
Inicialmente había concentrado su atención en el manejo de la pulpa de papel y realizado muchas obras hermosas con este medio, pero entre fines de la década de los setenta y mediados de los ochenta, resultaba evidente –por la orientación que había seguido desde entonces– que se interesaba por el chorreo de pintura de Jackson Pollock, por las investigaciones de Morris Louis en relación con la gravedad y el soporte, y las unidades ópticas y formas de Ellsworth Kelly. Mirando hacia atrás, su decisión de trabajar con pulpa de papel parece haber sido impulsada por su deseo de explorar las relaciones entre el medio y el soporte, el proceso y el resultado. Después de una década de trabajar con pulpa de papel, el proceso llevó a Sutil a tomar conciencia de que deseaba enfrentar temas que sólo podían resolverse con la pintura, un medio que había rechazado anteriormente.
A mediados de los ochenta, a la vez inquieta e insatisfecha con su creciente dominio del papel hecho a mano, Sutil empezó a buscar otra manera de unificar el medio, la superficie y el objeto. La razón que la llevaba a buscar tan arduamente una solución, era que nunca había querido aplicar simplemente pintura sobre una superficie bidimensional. Más bien –y es posible que ese deseo inicial haya sido reforzado por su largo compromiso con la preparación de papel– Sutil quería llegar a lo fundamental de la pintura y descubrir cómo se podía lograr que material, superficie y soporte se integraran en un diálogo visual significativo. Desde su cambio de la pulpa de papel al óleo, Sutil ha modificado dos veces su enfoque de los medios y materiales, cada vez persiguiendo su meta de llegar a lo fundamental de la pintura. Fue así como –en 1987 y de nuevo en 1997– la obra de Sutil experimenta un cambio profundo, aunque dicho cambio no tenga nada que ver con estilo sino más bien con su preocupación por la luz y la formación de capas superpuestas, la materialidad y la inmaterialidad. Desde 2003, ha elevado su visión de la vida en obras en que la toma de conciencia de la mortalidad es central.
Según las propias palabras de Sutil: “En 1987 descubrí que mi trabajo con pulpa de papel me había despertado nuevos intereses en problemas de saturación y profundidad que podrían ser explorados mejor con la técnica que había rechazado quince años antes. Fue así como empecé a pintar con gesso pigmentado y óleo, medio que llegó a ser el foco principal de mi trabajo hasta 1997.” Desde 1997 hasta hoy, la artista ha descubierto otra manera de recomponer la relación tradicional entre pintura y soporte, con especial énfasis en las fluctuaciones entre solidez y translucidez, materialidad y luz. Es así cómo se puede dividir la carrera de Sutil en tres fases distintas. La primera se centra en su uso de pulpa de papel, la segunda en el trabajo de paneles de gesso pigmentado y óleo y, la tercera, en su creación de bandas verticales de color, para explorar la relación entre color y luz. En los tres períodos –y eso resulta evidente en su obra– Sutil se sustenta en la creencia de que la pintura puede ser redentora y estimulante. Para ella, pintar es evocar una realidad de muchos niveles, misteriosa, visible e invisible.
Después de que Sutil dejó su trabajo con pulpa de papel, se dedicó a la pintura en paneles de gesso pigmentado. Durante este período que duró desde fines de los años ochenta a fines de los noventa, la artista exploró y desarrolló técnicas muy rigurosas, derivadas de su estudio de la pintura sobre paneles del siglo XV español. Estas técnicas permitieron que la artista definiera su medio como materia sólida a la vez que color luminoso. Su proceso consistía en integrar pigmento al gesso y aplicarlo a un panel rígido de madera cubierto de lino, con espátulas largas y flexibles. Sutil preparaba la superficie usando cuchillos planos y extendiendo capas de gesso pigmentado que iba lijando entre cada aplicación. Después de lijar, agregaba arena, grafito y otros materiales porosos. Este proceso dejaba marcas y acumulaciones que Kate Linker comparaba a “cicatrices corporales y a tierra calcinada.” [ii] Sus aplicaciones de pigmento integrado al gesso daban por resultado extensiones luminosas, estratificadas, simultáneamente transparentes y con presencia material. Las pinturas son palimpsestos, una acumulación de capas casi indistinguibles.
El cambio de la pulpa de papel a la pintura, registró también un cambio de los paisajes vistos a distancia a superficies porosas que dan cuenta de procesos geológicos y del inexorable paso del tiempo. El interés de la artista por el tiempo profundo y por la geología, se debía, en parte, a sus viajes solitarios en el Desierto de Atacama, al norte de Chile. Sola en ese vasto entorno, tomaba conciencia de que la relación del individuo con la realidad trasciende toda consideración social y que la realidad cósmica sustituye todo lo demás. El mundo exterior se interiorizaba y las sólidas masas de pulpa de papel se convertían en partículas de luz vacilante, dentro de un campo con textura, en constante cambio. También se manifiesta aquí el interés de Sutil por la filosofía mística, la superposición de los opuestos. En Voces del Silencio, una serie compuesta mayormente de dípticos, la tensión entre los paneles separados no es de oposición. Las estrías tonales negras en el panel izquierdo de Voces del Silencio Nº 12 (1991) evocan una tierra volcánica, en tanto los tonos azules y blancos en las estrías del panel de la derecha sugieren hielo, suciedad y polvo.
(...) La pintura al óleo permitió a Sutil internalizar el paisaje y convertirlo en un receptáculo para una amplia gama de sentimientos. Sus aplicaciones de pigmento integrado en el gesso dieron por resultado pinturas que eran a la vez objetos sólidos y espacios estratificados, fuertemente comprimidos. Este espacio es a la vez femenino y auto suficiente, delicado y audaz. En contraste con la espacialidad de las pinturas de paisajes del siglo XIX, las compresiones geológicas de Sutil no invitan a entrar en ellas. Su profundidad es a la vez granular y radiante. Destellos de luz y una materialidad porosa intercambian identidades.
Después de completar Voces del Silencio, Sutil se embarcó en Cerebrations, una serie cuyo título enlaza el acto de pensar con el acto de pintar, la mente y el cuerpo. El significado es que no se puede separar lo uno de lo otro. Las pinturas no existen en un ámbito puramente visual ya que no son objetos que sólo deban ser vistos y apreciados a un nivel estético. El proceso de hacer debería ir en conjunto con el de pensar, lo que Sutil logra en sus pinturas.
Tal como en Voces del Silencio, Cerebrations surge de un intenso proceso de aplicación de capas y capas de material. No obstante y en contraste con series anteriores, Sutil fue agregando pequeños círculos aplicados en forma irregular y diversas capas de estrías a su repertorio. Estos agregados modifican los opuestos y traslapos que aparecían en los dípticos, a un mundo estratificado, formado por diseños diversos, a la vez distintivos y conectados. Las superficies suaves y estriadas de sus pinturas parecen evocar las de piedras pulidas y se revelan lentamente.
(...) En Cerebrations Sutil celebra con éxito el mundo que vive en su imaginación, el lugar donde los mundos interiores y externos se reúnen, transformándose mutuamente. En este sentido ella se aparta de la tradición geométrica que tiende a desvalorar lo imaginado. Las asociaciones geológicas que se vieron en Voces del Silencio, resultan aún más adecuadas ahora. Los diversos elementos sugieren que el tiempo afecta a las cosas de manera diferente. Sutil sabe que pensar no es un proceso lineal, que es alterado tanto en su interior como desde afuera. Al vincular el pensar con el hacer al proceso de pintar y a la formación geológica de la tierra, registra las múltiples formas en que el paisaje ha golpeado su imaginación. Esquivos e insistentes, los círculos dispuestos en forma irregular son como estrellas apenas visibles o como vagos recuerdos. Las pinturas hacen evidente que el “ver” ocurre en el tiempo: uno se ve envuelto en el acto de develar, escudriñar, contemplar.
“En 1997 los círculos desaparecen y empiezo a investigar las posibilidades espaciales de la aplicación de numerosas capas de material y de la saturación, en obras enteramente compuestas de líneas verticales.” [iii] Espacios, la serie que siguió a Cerebrations, consiste de acuarelas y óleos sobre papel (óleos à l’essence) y de pinturas sobre lino crudo. En las acuarelas, la saturación de los distintos colores en el papel permite que las bandas contiguas se toquen, se traslapen y sangren juntas. Libres de todo encuadre, el color funciona como estructura y luz, como sombra y transparencia. Se convierte en forma, sujeta a un cambio continuo. En términos de composición, en los óleos sobre papel, Sutil usa las bandas verticales para definir un cuadrado sobre una hoja de papel rectangular. Con el marco de papel blanco, el cuadrado se convierte a la vez en ventana y en un registro de la interacción del medio con la superficie absorbente. Este problema entre superficie y ventana que también encontramos en diversas manifestaciones de Voces del Silencio y Cerebrations, puede ser interpretado como un debate entre la mirada y el anhelo, entre lo visto y lo deseado.
(...) Al usar pintura que va de espesa y viscosa hasta delgada y translúcida, Sutil logra diversos grados de luminosidad. Es como si la superficie se hubiese convertido en una presencia luminosa, en algo resplandeciente. Las bandas verticales cambian de tonalidad y color y aparentemente no obedecen a ningún patrón o ideal preconcebidos. Los cambios de color nos parecen más bien ligados a lo geológico, a las estrías de la tierra que aparecen cuando cavamos a más y más profundidad.
La ausencia de un patrón preconcebido obliga al espectador a prestar gran atención a los cambios, a registrar las modificaciones de tono y color, así como a crear una narrativa para lo que se está desarrollando en su presencia. El diseño irregular se convierte entonces en un atisbo de algo más grande e insondable, porque si la repetición contenida en cada pintura es finalmente parte de una dimensión mayor, esa distancia no puede ser captada por la mirada y por lo tanto no puede ser conocida. En este sentido, las pinturas son análogas a la fe, ya que van más allá de nuestras percepciones, a lo invisible y oculto.
Después de completar Espacios, Sutil recibió el encargo de convertir una torre que alberga una capilla en un espacio de reflexión y contemplación, en una propiedad cerca de Santiago. Tal como lo expresó Edward Shaw en forma tan poética y precisa, “el resultado fue un espacio que resplandecía como un manuscrito iluminado que hubiera cobrado vida.” Este encargo tardó dos años en completarse y, tal como uno podía esperar de esta artista, la llevó a reflexionar sobre su proyecto de vida. La serie de doce pinturas que realizó para la Capilla Cruz la llevaron a cuestionarse sobre su ambición artística. Siempre inquieta sobre lo que existe más allá de lo visible, a esas alturas había transformado la visión materialista de la pintura de Morris Louis en una señal de su fe en la pintura como vehículo metafísico, como una vía para descubrir aspectos de lo espiritual dentro de lo físico y viceversa. En Espacios, fue capaz de acercar estrechamente lo austero a lo exuberante. Los verdes, grises, negros, rojos y azules, evocan los tonos cambiantes y los brillantes espejismos del desierto, mientras la materialidad de la pintura transmite a la vez, liquidez y luz. En el núcleo de su existencia se da un estado de maravillado asombro. Pero una cosa es mirar al mundo con asombro y algo muy distinto es enfrentar el vacío. El que Sutil haya podido encontrar continuidad entre plenitud y vacío es el don que ella regala al espectador, un don que puede ser tranquilo y perturbador a la vez.
Después de terminar la Capilla Cruz, Sutil se embarcó en lo que Shaw describe como “la empresa más ambiciosa de su carrera, de hecho, de su vida. La presentación tiene dos puntos focales y ambos se nutren mutuamente. Uno es definición y el otro conjetura. Uno se despliega y el otro es un libro cerrado.” La instalación consiste de una pintura de treinta y cinco pies de largo y de un ataúd amarillo. De izquierda a derecha, las bandas de Tránsito (2002) van del amarillo al rojo, al verde, al amarillo, al azul. Cada banda es de tonalidad diferente y el desplazamiento de las bandas cambia el tono y el color. Es una autobiografía del paso de un individuo de la luz a la oscuridad, del nacimiento a la muerte. Los tonos amarillos del ataúd abierto sugieren que después de la muerte entramos a la luz.
(...) Ha penetrado en un territorio que le pertenece –y lo que habla a su favor– lo hace accesible a todo el que se acerque con la apertura de espíritu y la vulnerabilidad que son los componentes esenciales para vivir en el mundo. Asomarse al vacío sin parpadear, ésa era la ambición de Leonardo en sus dibujos del Diluvio. De sus imágenes interiores, controladas pero profundamente emocionales, resulta claro que ésta es también la ambición de Sutil.
John Yau. Nueva York, 2006
Francisca Sutil
Biografía / Biography
1952 Nace en / Born in Santiago, Chile
1992 Regresa a / moves to Santiago
1977 Se traslada a / moves to New York
Educación / Education
1981 MFA, Pratt Institute, Brooklyn, NY
1978 Whitney Museum of Art Seminar, New York
1977 Parsons School of Design, New York
1976 Bellas Artes, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile
1972 Southern Methodist University, School of Art, Dallas, TX
Becas & premios / Grants & awards
1992 Fondo de Cultura y Desarrollo de las Artes, Santiago, Chile
1983 EMF, Artists Space, New York
1981 NEA, Drawing Center (Paper Conservation), New York
1980 Fellowship, Organization of American States, Washington, DC
1977 Premio de Gráfica, Bienal Internacional de Arte, Valparaíso, Chile
1976 Premio de Dibujo, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile
1972 Fellowship, Southern Methodist University, Dallas, TX
Exposiciones individuales / One person exhibitions
2006 Alquimia, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
2004 Charles Street Gallery, New York
2003 Se Muere Se Acaba, Galería Animal, Santiago
Transmutations, Nohra Haime Gallery, New York
2000 Espacios: Pinturas en papel 1997-1999, Galería Tomás Andreu, Santiago
Watercolors from the Spaces Series, Nohra Haime Gallery, New York
1999 Spaces, The Art Show, Nohra Haime Gallery, New York
Spaces, Nohra Haime Gallery, New York
Spaces, Works on Paper, Grant Selwyn Fine Art, New York
1997 Espejos del Interior, Galería Tomás Andreu, Santiago
Small Format 1988-1997, Nohra Haime Gallery, New York
1996 Oils à l’Essence, Nohra Haime Gallery, New York
1995 Cerebrations, Nohra Haime Gallery, New York
1993 Galería Tomás Andreu, Santiago
1992 Voices of Silence, Nohra Haime Gallery, New York
1991 Nohra Haime Gallery, New York
Galería Época, Santiago
1990 Nohra Haime Gallery, New York
1989 Galería Época, Santiago
Nohra Haime Gallery, New York
1987 Nohra Haime Gallery, New York
1985 Nohra Haime Gallery, New York
Papel-Pintura, Galería Época, Santiago
1982 Pratt Institute, New York
1979 Italian-Latin American Institute, Roma, Italia
1978 Galerie C. de la Fontaine, Genève, Suisse
1977 Universidad de Concepción, Concepción, Chile
Galería Época, Santiago
Exposiciones colectivas / Group exhibitions
2006 Full Animal, Galería Animal, Santiago
2005 Art Palm Beach, Nohra Haime Gallery, Palm Beach, FL
Arteaméricas, Nohra Haime Gallery, Miami, FL
Salon 2005, Nohra Haime Gallery, New York
2004 New Works from the Permanent Collection, El Museo, New York
In the Back Room, Nohra Haime Gallery, New York
Past, Present, Future, Okaloosa-Walton Art Center, Niceville, FL
Chilean Art Crossing Borders - exposición itinerante / traveling exhibition
2003 In the Realm of the Absurd, Gallery of Contemporary Art, Sacred Heart University, Fairfield, CT
La Mirada Austera, Centro Cultural de Las Condes, Santiago
New Work, Nohra Haime Gallery, New York
2002 Art is Art, Nohra Haime Gallery, New York
2001 Paradox and Coexistence: Latin American Art of the Past Two Decades, IDB, Washington, DC
2000 Visible-Invisible: Four Visions, Nohra Haime Gallery, New York
1999 Chile: Austria-Ein künstlerishe Dialog, Landesgalerie, Oberösterreichisches Landesmuseum, Linz; Berlin; Karntner Mailand; Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago - exposición itinerante / traveling exhibition
Equilibrium of the Senses, Nohra Haime Gallery, New York
Double Take, Nohra Haime Gallery, New York
Image of Latin America, Monique Goldstrom Gallery, New York
Into the New Century, Nohra Haime Gallery, New York
1998 Arte y Psicopatología, Galería Tomás Andreu, Santiago, Chile
Major Works by Gallery Artists, Nohra Haime Gallery, New York
1997 Crossing Borders, Castle Art Gallery, College of New Rochelle, New Rochelle, NY
FIAC, Nohra Haime Gallery, Paris, France
Works on Paper, With Paper and Drawings by Gallery Artists, Nohra Haime Gallery, New York
The Art Show, Nohra Haime Gallery, New York
The Power of Color, Nohra Haime Gallery, New York
1996 The Art Show, Nohra Haime Gallery, New York
Art Chicago, Nohra Haime Gallery, Chicago, IL
FIAC, Nohra Haime Gallery, Paris
Fifteenth Anniversary, Nohra Haime Gallery, New York
1995 The Black Art Show, Rockville Arts Place, Rockville, MD
Art Miami, Nohra Haime Gallery, Miami, FL
Wax, Nohra Haime Gallery, New York
The Art Show, Nohra Haime Gallery, New York
Works on Paper-The Armory, Nohra Haime Gallery, New York
FIAC, Nohra Haime Gallery, Paris
Exhibición Inaugural, AMS Marlborough, Santiago
Aniversario de El Mercurio, Instituto Cultural de las Condes, Santiago
1994 Art Miami, Nohra Haime Gallery, Miami, FL
The Art Show, Nohra Haime Gallery, New York
New York Art International, Nohra Haime Gallery, New York
FIAC, Nohra Haime Gallery, Paris
1993 Art Miami, Nohra Haime Gallery, Miami, FL
Intuitive Perception, Nohra Haime Gallery, New York
The Art Show (Art Dealers Association of America), Nohra Haime Gallery, New York
Chicago Art Fair, Nohra Haime Gallery, Chicago, IL
FIAC, Nohra Haime Gallery, Paris
1992 Salon de Mars, Nohra Haime Gallery, Paris
Apocalypse and Resurrection, curaduría de / curated by Douglas Maxwell, The Gallery Three Zero, New York
10th Anniversary Exhibition, Nohra Haime Gallery, New York
Summer Pleasures, Nohra Haime Gallery, New York
1991 Art Miami, Nohra Haime Gallery, Miami, FL
Selections, Nohra Haime Gallery, New York
Topography of a Landscape, Nohra Haime Gallery, New York
Stark Contrast, Trenkmann Gallery, New York
Efectos de Viaje: Artistas chilenos residentes en Nueva York, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
Intimate Relations, Jamison Thomas Gallery, New York
Aspekte: Latinamerikanischer Kunst Heute, Galerie Ruta Correa, Freiburg, Deutschland
Art Frankfurt, Galerie Ruta Correa, Frankfurt, Deutschland
1990 Salon de Mars, Nohra Haime Gallery, Paris
Beyond the Surface: Recent Works by Creus, Rabinovich, Sutil; Americas Society, New York
Contemporary Prints & Multiples, Nohra Haime Gallery, New York
Summer Selections, Nohra Haime Gallery, New York
Poetics of Presence, Southeastern Massachusetts Art Gallery, North Dartmouth, MA
Homage to the Square, Nohra Haime Gallery, New York
State University of New York, Binghamton, NY
Galerie Ruta Correa, Freiburg, Deutschland
1989 Selections, Nohra Haime Gallery, New York
Master Prints, Nohra Haime Gallery, New York
1988 Blues and other Summer Delights, Nohra Haime Gallery, New York
From the Other World Next Door, Mindy De Hudy Contemporary Art, Needham, MA
1987 Fifth Anniversary Exhibition, Nohra Haime Gallery, New York
CIAE, Nohra Haime Gallery, Chicago, IL
From the Other Side, Terne Gallery, New York
Latin American Artists in New York Since 1970, Archer M. Huntington Art Gallery, University of Texas at Austin, Austin, TX
Abstract Visions, Museum of Contemporary Hispanic Art, New York ICAF, Nohra Haime Gallery, Los Angeles, CA
1986 Abstraction: New Points of View, Nohra Haime Gallery, New York
Two by New, El Museo, New York
V Bienal de Artes Graficas, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia
Parejas en el arte, Galería Plástica 3, Santiago
Diez Años, Galería Época, Santiago
Abstraction-Four From Latin America, Frances Wolfson Art Gallery, Miami-Dade Community College, Miami, FL
Major Works by Gallery Artists, Nohra Haime Gallery, New York
Pastels, Aleman Galleries, Boston, MA
Looking Closely, SSC & B Lintas, New York
ICAF, Nohra Haime Gallery, Los Angeles, CA
1985 Latin American Artists in New York, Arteconsult Gallery, Boston, MA
Important Work on Paper by Latin American Artists, Ricardo Barreto Fine Arts, Boston, MA
The Art of South America, The St. Paul's Companies, St. Paul, MN
Plástica Chilena - Horizonte Universal, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
1984 New Spiritual Abstraction of the1980's, Nohra Haime Gallery, New York
Artistas Latinoamericanos en Nueva York, Galería Artconsult, Ciudad de Panamá, Panamá
10 Latin American Artists Working in New York, Columbia University, International House, New York
1983 Paper as Image, Mary Ann Martin Fine Arts, New York
30 Artists-Chile, Cayman Gallery, New York
1982 Papyrus Abstractus, Weston Art Council, Westport, CT
New Drawing in America, The Drawing Center, New York
1981 Paperworks, Lehigh University, Bethlehem, PA
Selection 13, The Drawing Center, New York
1979 Modern Latin American Paintings, Drawings, & Sculpture, Center for Inter-American Relations and Sotheby’s Parke Bernet, New York
1978 New Directions, Pratt Graphic Center, New York
Fundació Joan Miró, Barcelona, España
1977 Museo de Arte Contemporáneo, Santiago
Dos Artistas Jóvenes, Galería de Arte Zapallar, Zapallar, Chile
Una Nueva Generación de Artistas, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
Exposición Colocadora, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
1976 Exposición Colocadora, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
Los Tres, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago
Instituto Cultural Francés, Santiago
World Print Contest, Museum of Contemporary Art, San Francisco, CA
1974 Tercera de la Hora, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
1973 Instituto Cultural de Providencia, Santiago
1971 Dibujo, Universidad Católica, Santiago, Chile
Capilla Cruz / The Cruz Chapel
En el año 2000, Sutil completó una serie de 12 pinturas, encargadas para una capilla privada en Santiago de Chile.
In 2000, Sutil completed a series of 12 paintings commissioned for a private chapel in Santiago de Chile |
