Diálogos: Arte latinoamericano desde la Colección Cisneros

Expositor: Colección Cisneros Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes, Salas de Arte en Mall Plaza Vespucio y Mall Plaza Norte Técnica: escultura, fotografía, grabado, instalación, pintura, técnica mixta Fecha: 25 de noviembre al 28 de febrero de 2005 Horario: martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs. Entrada: $600 adultos, $300 estudiantes y tercera edad

El paisajismo, la abstracción geométrica y el arte contemporáneo examinados conjuntamente revelan conexiones y diferencias. COLOQUIO INTERNACIONAL “ARTE LATINOAMERICANO DESDE LA COLECCIÓN CISNEROS” MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES Jueves 25 de noviembre del 2004 (De 10:00 a 17:30) Nuevas topografías del coleccionismo argentino. Rafael Cippolini: Critico de arte, curador independiente, editor Revista RAMONA, Buenos Aires.

Colección de arte peruano contemporáneo en el Museo de Arte de Lima.
Natalia Majluf: Historiadora del arte, directora del Museo de Arte de Lima.

Diagrama de una exposición.
Justo Pastor Mellado: Crítico de arte, curador independiente, vive y trabaja en Santiago de Chile.

Colección, Curatoría, Historiografía.
Patricio Muñoz Zarate: Critico de arte, Asistente de Dirección Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile.

Coleccionismo de arte contemporáneo y producción de obra.
Waltercio Caldas: Artista visual, Río de Janeiro
Las estrategias de manejo de una colección de arte latinoamericano.
Ariel Jiménez: Crítico de arte, curador colección de arte latinoamericano de la Fundación Cisneros.

Diálogos: Arte latinoamericano desde la Colección Cisneros, una exhibición que incluye noventa y ocho obras de arte de la Colección Cisneros.
Esta exhibición se presentó en el Museo de Arte de Lima, Perú, entre el 23 de julio al 26 de septiembre de 2004. La muestra está organizada por la Fundación Cisneros en colaboración con el Museo Nacional de Bellas Artes, bajo la curaduría de Ariel Jiménez, curador de la Colección Cisneros.
La Colección Cisneros es el programa de difusión de las artes visuales que impulsa la Fundación Cisneros, institución con sede en Venezuela comprometida con hacer de América Latina, que además exalta la participación de la región en el escenario cultural mundial. Las exposiciones de Colección Cisneros han recorrido exitosamente las principales capitales de Sudamérica para presentar la riqueza y la diversidad de las artes visuales latinoamericanas, con el fin de fomentar su estudio y compartirlas con diferentes audiencias.
La Presidenta de la Fundación Cisneros Patricia Phelps de Cisneros expresa que “la Fundación está encantada de poder mostrar obras de la Colección Cisneros en el Museo Nacional de Bellas Artes. Al combinar tanto obras figurativas como abstractas, esculturas e instalaciones, se establecen vínculos entre segmentos que por lo general se consideran completamente separados. De esta manera, la exhibición pone de manifiesto las inquietudes y supuestos subyacentes que son comunes en todo el arte visual. La Fundación Cisneros se complace en aprovechar la oportunidad que le ofrece el museo de exponer esta obra vital ante un sector tan amplio, ayudándonos de esta manera a avanzar nuestra misión de profundizar el conocimiento de los logros culturales de América Latina”.
Milan Ivelic, director del Museo Nacional de Bellas Artes afirma que “el Museo Nacional de Bellas Artes está muy entusiasmado de poder compartir con nuestro público las obras de la Colección Cisneros. Como el museo más antiguo de Chile, ya que el Museo Nacional de Bellas Artes tiene una larga tradición de presentar exhibiciones distinguidas que destacan no sólo el arte de este país, sino también el arte internacional. Diálogos es un complemento excepcional a estas exhibiciones y le estamos muy agradecidos a la Fundación Cisneros por la posibilidad que le ha brindado al museo de compartirlo con su público.”

Exhibición
Diálogos es la primera exposición en presentar obras pertenecientes a tres de los núcleos más densos de la Colección Cisneros: el de Arte Contemporáneo, el de Abstracción Geométrica Latinoamericana del período comprendido entre las décadas de 1940 y 1970 y el de Paisaje de las Américas, entre cuyas obras figuran las realizadas por los denominados pintores viajeros. Al hacerlo, ofrece un amplio panorama de la heterogeneidad del arte latinoamericano y, como su nombre lo indica, estimula el diálogo entre distintas obras y tradiciones, para revelar relaciones sorprendentes entre tradiciones estéticas y trabajos muy disímiles.
La exposición está organizada en siete secciones, cada una de las cuales propone un tema de discusión desarrollado a lo largo de distintas épocas y movimientos: “Lo autóctono americano”, “Diálogos con el otro”, “Paisajes”, “Estética de la luz”, “A tiempo”, “Dibujar / desdibujar” e “Introspecciones”.

Lo autóctono americano (diálogos sobre lo nativo y lo foráneo)
La primera sección explora los procesos que llevan a la creación de imágenes de reconocimiento nacional o comunitario en América Latina, particularmente en el siglo XX, y reúne diversos modelos operativos, no sólo a través de la creación de conceptos e imágenes, sino también mediante las estrategias formales empleadas por cada artista. Aquí aparecen obras tan distintas como Bolas Criollas, de 1934, una obra nativista del venezolano Francisco Narváez (1905–82), quien frecuentemente evocara culturas autóctonas con representaciones de actividades tradicionales; Analogía IV (III), una instalación del argentino Víctor Grippo (1896–1988); y ejemplos del universalismo constructivo de Joaquín Torres-García (1874–1949), junto a la instalación Santos y Profetas, de la mexicana Laura Anderson Barbata (1958–).

Diálogos con el otro (La obra como dispositivo articulador)
La segunda sección está dedicada al diálogo que se establece entre la obra de arte y quien la observa. Entre los diversos ejemplos aquí expuestos, se destacan El adentro es el afuera, una escultura de 1963 de la artista brasileña Lygia Clark (1920–88), quien sostenía que la experiencia estética del arte ocurre en el momento de interacción entre la obra y el espectador. Aquí, Clark creó una escultura de acero inoxidable plegado y retorcido, inspirada en la banda de moebius y pensada para la manipulación directa por parte del espectador-participante. La fotografía de 1995 titulada La Cara de Franklin, de Diana López (1968-), fue tomada por el hijo de ocho años del ama de llaves de la artista, a quien López le había dado una cámara sugiriéndole que fotografiara cosas de su realidad inmediata, aquello que le gustara o no fueran representativos de su vida cotidiana. El resultado es, una vez más, un mecanismo articulador entre dos realidades sociales, de género y raza diferentes, en algunos aspectos incluso opuestos, pero cercanos. Reflejo fiel de un drama caraqueño, venezolano, latinoamericano. La serie a la que pertenece La Cara de Franklin establece un diálogo, por un lado, entre los dos mundos antagónicos fotografiados por el niño, y por el otro, entre las obras y el espectador, cuya reacción ante las fotografías estará teñida por los colores del mundo que le es propio.

Paisajes (Espacio informado, sistemas de representación)
Esta sección de la exposición se erige sobre la idea de que la representación del paisaje fue una preocupación central del Modernismo y, por extensión, es uno de los temas fundamentales tratados por el arte contemporáneo. Entre las obras aquí expuestas figuran las de artistas tales como Ferdinand Bellerman (1814–89), cuyo paisaje de 1874 intenta transmitir la realidad literal de la escena representada. En otras obras, la idea del paisaje se va tornando más abstracta y, a menudo, subjetiva. Ejemplo de ello son las personalísimas interpretaciones de paisajes de Armando Reverón (1889–1954), considerado el primer artista moderno venezolano. Sus Dunas de Catia la Mar, pintura que data de alrededor de 1925, recorre la línea entre la representación y la abstracción. Una obra sin título de 1992 perteneciente al artista argentino Guillermo Kuitca (1961-) muestra un mapa (un paisaje simbólico) pintado sobre un colchón. Mediante la representación del mundo sobre algo tan íntimo como una cama, Kuitca evoca la condición humana y crea un paisaje más personal que geográfico.

Estéticas de la luz (La luz en y desde la pintura – exhibida en la Sala de Arte Mall Plaza Vespucio.
La luz es tanto un medio para hacer visible las formas como una fuente de sentido; por tal motivo, ha sido un punto neurálgico de preocupación para los artistas a lo largo de la historia. Esta sección de la exhibición pone de manifiesto las diversas formas en que se crea la luz y la variedad de significados que transmite. Por ejemplo, en Anochecer sobre Pedra da Gávea, Río de Janeiro, una obra que data de alrededor de 1860, firmada por el pintor viajero nacido en Danzig, Eduard Hildebrandt (1818–69), el artista utilizó el color para crear una luz románica y sublime que transforma el paisaje en un paraíso terrenal. En 1946, a través de su Estructura Lumínica Madí, el artista argentino Gyula Kosice (1924-) utilizó la luz con fines totalmente distintos: transformó el neón en un medio innovador, que carece de la expresividad personal relacionada con la aplicación de pinturas sobre el lienzo.

A tiempo (Expresión del tiempo y sincronía histórica) – exhibida en la Sala de Arte Mall Plaza Norte.
El concepto de tiempo es uno de los desafíos más antiguos que enfrentan las artes visuales y, para explorarlo, la próxima sección de Diálogos incluye una representación altamente heterogénea de obras de arte, entre ellas, un ejemplo de 1961 que forma parte de la serie “Objetos Activos” del artista brasileño Willys de Castro (1926–88). Allí, aparecen representadas simples composiciones geométricas sobre el canto de paneles de madera que sobresalen perpendicularmente de la pared. El paso del tiempo es inherente a Objetos Activos. Estas obras han sido pensadas para ser apreciadas desde distintos ángulos. El interés del artista venezolano Roberto Obregón (1946–2004) está puesto en el tiempo y su relación con el ciclo natural de la vida. El agua como ciclo, de 1978, tiene el aspecto de un experimento de ciencias naturales. Está formado por tres paneles, cada uno de los cuales contiene una serie numerada de pétalos artificiales, dispuestos arriba de un rótulo. Arriba de los “pétalos”, hay un sobre transparente con los pétalos reales que fueron utilizados como modelo para crear los artificiales que están debajo, y arriba del sobre hay una imagen impresa de un saltamontes. Interpretado como un todo, la obra evoca el paso del tiempo y, desde una perspectiva más específica, la naturaleza transitoria de la vida.

Dibujar / desdibujar (La línea que construye, la línea que fluye)
La línea ha sido utilizada en una variedad asombrosa de formas en el arte moderno y contemporáneo, desde la tridimensional (hecha de alambre, soga u otros materiales), que traza y crea figuras en el espacio, hasta un módulo repetido sistemáticamente o una línea líquida que se aproxima al automatismo total perseguido por el Surrealismo. Esta sección de la exposición, donde se exploran diversos usos de la línea, desde el dibujo hasta el “desdibujo”, incluye una obra sobre papel realizada en 1967 por la artista venezolana Gego (1914–94), para quien la línea jugaba un papel fundamental en el trabajo bi y tridimensional. En esta obra, exquisitamente dibujada, las líneas paralelas crean un espacio sutilmente modulado en el papel. En contraposición a esta perspectiva, la línea tiene un enfoque muy distinto en Acción, una obra del artista brasileño Vik Muniz (1961-) basada en la famosa fotografía tomada por Hans Namuth, donde Jackson Pollock aparece chorreando pintura sobre un lienzo. Muniz reprodujo la imagen de Namuth con jarabe de chocolate y luego la fotografió, lo cual generó cuestionamientos sobre la línea en su carácter de material y vehículo de representación. Por ejemplo, mientras que la composición lineal de Pollock había sido en gran parte improvisada, la de Muniz fue cuidadosamente ejecutada. No obstante, a diferencia de las pintadas por Pollock, las líneas de chocolate de Muniz sólo duraban unos minutos.

Introspecciones (Automatismos / sublimaciones)
La última sección de Diálogos está dedicada al trabajo que crea un espacio u ocasión para la introspección. Esta forma de autorreflexión se puede lograr mediante un dibujo “automático”, como Los Tigres, de 1940, por el artista chileno Roberto Matta (1911–2002), quien creó un espacio psicodélico-onírico mediante líneas trazadas con gran precisión, casi -se podría decir- arquitectónicamente. Otras obras invitan a la introspección a través de una mirada reflexiva sobre la historia del arte. Si bien a la artista venezolana Marisol (1930-) casi siempre se la asocia con el pop art, su obra también es introspectiva. En su Mona Lisa de 1961-62, por ejemplo, la artista recrea la pintura de Leonardo y en ella representa no sólo un icono del arte occidental, sino también su propia imagen. La exiliada cubana Ana Mendieta (1948–85) creó obras donde exploraba, entre otros temas, la memoria y la identidad. Para cada una de sus series “Siluetas”, realizadas en México y Cuba durante la década de 1970, Mendieta hizo una marca con su propio cuerpo en la tierra, la realzó con pigmentos, flores, piedras y otros medios efímeros y, luego, fotografió la imagen resultante. Diálogos incluye dos de las bellísimas “Siluetas” de Mendieta.

Coloquio Internacional

Paralelamente a la exhibición, el Museo Nacional de Bellas Artes y la Fundación Cisneros organizan conjuntamente un simposio de arte latinoamericano de un día de duración que tendrá lugar el 25 de noviembre. Entre otros, participarán: Rafael Cippolini, Crítico de arte y curador independiente argentino; Natalia Majluf, Historiadora del arte peruana y directora del Museo de Arte de Lima.; Justo Pastor Mellado, Crítico de arte y curador independiente que vive y trabaja en Santiago de Chile; Patricio Muñoz Zárate, Criíico de arte y Asistente de Dirección del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile; Waltercio Caldas, Artista visual de Río de Janeiro; y Ariel Jiménez, Crítico de arte, curador colección de arte latinoamericano de la Fundación Cisneros.

Colección Cisneros

El eje de la Colección Cisneros (www.coleccioncisneros.org) es el arte moderno y contemporáneo de América Latina, e incluye también obras del paisajismo latinoamericano producidas desde del siglo XVII hasta la actualidad, además de arte colonial venezolano y dibujos, diarios y artefactos del artista y explorador francés Auguste Morisot. A través de un programa activo de préstamos, iniciativas educativas en curso y un galardonado sitio Web, la Colección Cisneros fomenta la conciencia internacional sobre el arte moderno y contemporáneo de América Latina, utiliza las artes visuales para contribuir al desarrollo del pensamiento crítico y el lenguaje expresivo en escolares venezolanos, además de enriquecer el conocimiento sobre el arte moderno latinoamericano. El director de la Colección Cisneros es Rafael Romero y el curador de Arte Moderno y Contemporáneo es Ariel Jiménez.

Fundación Cisneros
La Fundación Cisneros fundada por Patricia Phelps de Cisneros, Gustavo Cisneros y Ricardo Cisneros, en asociación con la Organización Cisneros– utiliza la avanzada plataforma tecnológica que provee la Organización Cisneros, para desarrollar innovadores programas y concretar alianzas estratégicas en las áreas de educación, cultura, medio ambiente y desarrollo social. Pedro R. Tinoco es presidente ejecutivo de la Fundación, entidad que refleja la visión internacional de sus fundadores. Muchos de sus programas son creados y administrados en colaboración con otras organizaciones e instituciones.

El Museo Nacional de Bellas Artes

El Museo Nacional de Bellas Artes –fundado en 1880– es el más antiguo y uno de los más importantes museos de arte de Chile. Está situado en un majestuoso edificio y cuenta con una colección de cerca de 5.600 obras tanto de artistas chilenos como internacionales. Además de exhibir obras de su colección, el museo tiene un programa dinámico de exhibiciones temporales y programas educacionales.

Para más información sobre la Colección Cisneros, el público puede visitar www.coleccioncisneros.org.

Fuente: Museo Nacional de Bellas Artes