Francisco Smythe, Arturo Duclos, Patricia Figueroa, Eugenio Dittborn, entre otros en el Museo Nacional de Bellas Artes / Arte de los Ochenta y Grupo CADA en la colección del MNBA
Expositor: Colectiva
Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes (Parque Forestal s/n, Santiago. Metro Bellas Artes)
Técnica: fotografía, pintura, técnica mixta
Fecha: 16 de enero y hasta mayo 2007
Horario: martes a domingo de 10:00 a 19:00 hrs.
Entrada: $600 general, $300 estudiantes
Informaciones: http://www.mnba.cl, angelica.perez@mnba.cl
Por un lado, se exhiben pinturas de los años ’80 de autores chilenos como Francisco Smythe, Arturo Duclos, con obras recién adquiridas; Patricia Figueroa, Eugenio Dittborn, Ismael Frigerio, Bororo, Matías Pinto, Enrique Zamudio, Roberto Geisse y Benito Rojo. Por otro lado, se presentan diecisiete fotografías, que corresponden a registros de acciones realizadas por el grupo CADA, también adquiridas recientemente.
La década de los ‘80 se caracterizó en general, por la simultaneidad y antagonismo de discursos y propuestas visuales. De un lado, estaba la necesidad de establecer una reflexión crítica frente a nociones como lenguaje expresivo, autor, obra y contexto.
Por otra parte, una escena de artistas que se mantuvo en el concepto del autor ligado a la expresividad y subjetividad. La pintura se despliega sobre el soporte como un registro muy variado de texturas, grafías, modelados, ritmos y composiciones donde el gesto manual queda convertido en el vehículo más urgente y cercano al artista. La imagen, portadora de sentido da cuenta de una sensibilidad histórica, contingente y urbana.
El “Colectivo de Arte” (CADA), fue un grupo interdisciplinario de artistas chilenos que se creó en 1979 con el fin de establecer una reflexión en torno al dilema Arte y Política. De esa manera, CADA se concentró en estructurar intervenciones ciudadanas que buscaban poner en marcha una nueva propuesta estética, para reformular los circuitos artísticos existentes bajo la dictadura. El grupo apeló a multiplicar los canales de difusión y transformarlos en soportes de discurso de arte.
CADA
Con el trabajo “Para No morir de Hambre en el Arte” realizado en octubre de 1979 y tomando como metáfora la leche –signo blanco, hambre y carencia- se inició una obra progresiva que abarcó desde el registro hasta las revistas de análisis político, pasando por los cuerpos segregados de los habitantes más desposeídos de la ciudad. Culminó con camiones de leche estacionados frente al Museo Nacional de Bellas Artes por unas horas, indicando que la obra de arte en Chile estaba en crisis.
“Inversión de Escena” fue un trabajo de acción ciudadana realizado el día 17 de octubre de 1979 que buscó evidenciar la violencia de un país amenazado y vigilado. Los camiones lecheros se establecieron como una cita crítica de la tecnología militar, alineados frente al Museo Nacional de Bellas Artes. Este fue clausurado con un lienzo blanco como evidencia de la situación política represora. El blanco que clausuraba el Museo señalaba que el arte estaba afuera, diluido en la ciudad, clandestino.
¡Ay Sudamérica! Se realizó el 12 de junio de 1981. Seis avionetas en perfecta formación, sobrevolaron la ciudad de Santiago, dejando caer en sus comunas más populosas, 400.000 volantes sobre la relación entre arte y sociedad. El texto decía: “Cuando usted camina atravesando estos lugares y mira el cielo y bajo las cumbres nevadas se reconoce en este sitio el espacio de nuestras vidas: color piel morena, estatura y lengua, pensamiento (...) nosotros somos artistas, pero cada hombre que trabaja por la ampliación, aunque sea mental, de sus espacios de vida es un artista”...
Lotty Rosenfeld (1943) realizó, a partir de 1979, la acción urbana “Una Milla de Cruces en el Pavimento”. “Este signo lo elaboré mediante el entrecruzamiento de dos líneas: la primera impuesta por un código de reglamentación social y la segunda propuesta por el arte a modo de insumisión. Al introducir la “crisis” en el interior de un ordenamiento del tránsito, la obra incitó al sujeto a repensar su situación acrítica frente a códigos convencionales, rompiendo así su carácter supuestamente ‘natural’.”
Diamela Eltit (1949) realizó entre 1980 y 1982 la acción “Zona del Dolor I y III”. En Zona de Dolor I plantea la relación entre literatura y sexualidad. El prostíbulo pobre como espacio complejo de tráfico sexual, se convierte en un sitio de actividad literaria, a través de una lectura contaminada por los cuerpos que se encuentran y comparten una situación ambigua y fluctuante. La performance se realiza en el barrio de prostitución más periférico de Santiago. En sus muros se proyectan diapositivas con el rostro de la autora, seguida de una lectura literaria (novela Lumpérica) y posterior lavado de las calles del barrio. En Zona de Dolor III la obra pone en escena la ciudad y los cuerpos, su encuentro, su roce, su desafío y su erótica. A su vez, este trabajo mantiene una relación irónica con el “beso hollywoodense”, al plantearse fuera de los estereotipos y los cánones dominantes. El encuentro callejero entre Diamela Eltit y un vagabundo indigente, se sella con un beso.
En 1983 el Grupo CADA culminó sus intervenciones ciudadanas con el rayado mural NO +, el proyecto más ambicioso de ampliación de los espacios artísticos y el de mayor eficacia social del grupo, que contó con el apoyo de un consistente número de artistas de diversas disciplinas. Con el NO +, antecedente del plesbicisto chileno de 1988, concluyó un proyecto ciudadano artístico, arriesgado y plural. El Grupo CADA se disolvió en 1985.
Fuente: MNBA |
